Hokusai, l'exposition

Hokusai, supuesto pionero del manga

Hace tiempo, en el Grand Palais de París, se organizó una exposición sobre Hokusai,  el llamado pionero del manga. Katsushika Hokusai, conocido simplemente como Hokusai (Edo, actual Tokio, 31 de octubre de 1760- 10 de mayo de 1849) fue un pintor y grabador japonés, adscrito a la escuela Ukiyo-e del periodo Edo. Es uno de los principales artistas de esta escuela conocida como "pinturas del mundo flotante".

La mayor de las obras de Hokusai es la colección de 15 volúmenes llamados Hokusai Manga, una colección con unos 4000 dibujos muy diversos que incluyen paisajes y escenas de la vida cotidiana. Es una obra impresa en tres colores: negro, gris y rosáceo. El primer dibujo se publicó en 1814 cuando el artista tenía 55 años, siendo los tres últimos volúmenes publicados póstumamente, y el último de ellos está considerado una obra apócrifa.

Estos bocetos a menudo se cree, erróneamente, que son el precedente de los modernos manga. El nombre de manga, en la obra de Hokusai, hace referencia a una colección de bocetos no conectados entre sí por ninguna historia, por lo que tienen una  concepción diferente del cómic en el que se fundamenta el manga moderno. Cabe decir que la forma de trabajar, sobre papel transparente y llevado a cabo en varias fases, sí que tiene una similitud en la manera de elaborar el moderno cómic o manga. Hokusai hacía un simple esbozo en papel transparente y luego colocaba encima otro papel también transparente donde corregía el dibujo, añadía más detalles y realizaba la composición final. Este era el diseño definitivo que era pegado a la plancha de madera donde se realizaba el grabado. En su elaboración había que seguir de manera cuidadosa las líneas trazadas para poder hacer después la impresión de la estampa. En Occidente esta obra empezó a ser conocida a mediados del siglo XIX.

Estos dibujos realizados cuando el artista tenía entre 60 y 70 años son reconocidos como lo mejor de su obra. Hokusai fue uno de los pintores que más contribuyó a que la pintura de paisajes y sobre la naturaleza - pájaros y flores- llegara a ser un icono con el que se identifica la cultura del Japón.

Para más información sobre esta exposición pinchar aquí:

Exposición de Hokusai

Ilustraciones de Errol Le Cain

La actividad de dibujar es descubrir qué es dibujar

El Cultural ha publicado un artículo sobre William Kentridge , artista que ha recibido el Premio Penagos de Dibujo 2013 de la Fundación Mapfre.

Según este artista: "El dibujo es una forma inmediata de conectar lo que sientes con lo que hace tu cuerpo".

"La actividad de dibujar es descubrir qué es dibujar, no es dibujar antes de dibujar, sino el procedimiento de pensar". Este artista dibuja, borra, modifica, cambia y retoca la postura del dibujo en un mismo papel, sacando dos fotografías en cada cambio. Después hace una forma de videoanimación con tan solo una treintena de las imágenes que realiza, donde se observa el recorrido que ha sufrido su trabajo. 

"Los vídeos son dibujos realizados para las proyecciones", analiza. Cada uno de ellos está fotografiado con todos sus cambios de modo que la historia habla por sí misma. La memoria del dibujo final, su trayecto, su viaje. "El resultado final es el viaje" "Vas viendo el proceso, los cambios, unes todo. Es decir, es una manera de condensar todos los dibujos para llegar a una forma final, a lo que se va a ver". Su obra, casi en su integridad, está elaborada en blanco y negro, con carboncillo o pastel. La ausencia de color significa el color mismo. El dibujo, opina, es una manera de comunicarse con el cuerpo y esta es la razón, presupone, por la que los jóvenes se están acercando a él: "Está en las manos, empleas tu cuerpo al igual que caminas con tus pies. Todo gira entorno a la práctica y la inmediata conexión con las ideas. No es un arte más rápido de hacer pero sí permite una rápida conexión entre lo que estás sintiendo y lo que tu cuerpo está haciendo".  

Los artistas que le han servido de influencia son tres: Velázquez, Goya y Picasso. "Te das cuenta de las conversaciones que tenían con sus trabajos. Goya es la plasmación de la realidad, Velázquez la energía y la actividad mientras Picasso es la transformación de la realidad".  

Es de los que opina que cualquier objeto visible está ahí para ser representado, porque, como él dice, el resultado final es el propio viaje. 

Félix en el exilio, William Kentridge

Ilustraciones de Nancy Ekholm Burkert

"Blancanieves y los siete enanitos" ilustrado por Nancy Ekholm Burkert

Ilustraciones de Susan Jeffers

Susan Jeffers

  

The Wild Swans by Hans Christian Anderson and Amy Ehrlich
1981
Dial

Society of Illustrators Award of Merit

  

Un lugar para la reflexión sobre el territorio

Buscando por internet me he encontrado este blog, que me parece muy interesante, donde podéis encontrar reflexiones sobre el dibujo, el entorno arquitectónico y su influencia en el ser humano, es decir, como dice su autora, Clara Nubiola, "un espacio para pensar la ciudad" : http://losvaciosurbanos.blogspot.com.es/

Hay artículos de temática muy diversa que no tienen desperdicio, de los que podéis sacar interesantes conclusiones, por ejemplo, en este artículo podéis ver cómo se puede articular un trabajo de investigación gráfica:

http://losvaciosurbanos.blogspot.com.es/2012/12/resultados-del-taller-deriva.html

Además, desde este blog se propuso un concurso sobre recorridos urbanos de diversas ciudades que también os puede servir de inspiración en vuestro trabajo:

http://losvaciosurbanos.blogspot.com.es/2012/03/concurso-de-las-rutas-inciertas-tu.html

Todo esto ha generado la edición de un libro titulado "La guía de las rutas inciertas" donde Clara Nubiola hace recorridos por su ciudad, Barcelona.

En el siguiente vídeo podéis ver cómo trabaja ella y otra ilustradora, Amaia Arrazola, sobre el concepto del dibujo arquitectónico y la ciudad en la vida de sus habitantes.



Memoria visual

Ahora que estamos con el Dibujo Arquitectónico os muestro el trabajo de este dibujante, Stephen Wiltshire, cuya memoria visual le ha hecho ser mundialmente conocido.

Esta habilidad es muy conveniente desarrollarla cuando estamos haciendo apuntes, ya que no siempre nos da tiempo a registrar gráficamente todo lo que vemos y es necesario recurrir a ella después, cuando tocamos el dibujo o continuamos con zonas que se habían quedado sin terminar.

A Stephen, a la edad de tres años le diagnosticaron autismo. Su relación con otras personas y el mundo exterior era nula, estaba inmerso en su propio mundo, hasta el punto que dijo sus primeras palabras muchos años después. Cuando tenía once años, tras un breve viaje en helicóptero, Stephen pidió lápiz y papel y, sorprendentemente, reprodujo la vista aérea de la ciudad de Londres con una precisión casi fotográfica, sin olvidar ningún detalle y respetando la perspectiva. En su dibujo plasmó hasta el número exacto de ventanas de los principales edificios.

Stephen posee el síndrome de Savant, existen muy pocos autistas que padecen ese síndrome. Savant es un término que se utiliza para denominar a virtuosos de las artes. Las personas que lo poseen demuestran habilidades mentales absolutamente extraordinarias. Este es el caso de este londinense, conocido como “la cámara viviente”, ya que posee una increíble memoria fotográfica. Esta hazaña la ha repetido en Tokyo y Hong Kong.

Su increíble habilidad ha hecho que sea un famoso artista a nivel mundial. Además, sus obras son demandadas por multitud de exposiciones y particulares.

Detención de la pupila

Velázquez hace la revolución más grande que se ha producido en la representación tridimensional sobre el plano. Él es quien consideró el espacio antes que los objetos. Él fue quien, determinando el punto de vista, fijó la mirada sobre un punto del campo visual y la sostuvo quieta sin mirar cosa alguna; estaba dándose cuenta de la profundidad, estaba viendo el espacio.

Cuando se miran los objetos no se puede ver el espacio. Cuando se mueve la mirada sólo se ven las cosas y los volúmenes de ellas; es necesario fijarla para poder darse cuenta del espacio y del valor de los huecos.

Velázquez establece un nuevo modo de mirar que permite una visión espacial perfecta.

Ortega y Gasset dijo: “Velázquez, con una audacia formidable, ejecuta el gran acto de desdén llamado a suscitar toda una nueva pintura; DETIENE SU PUPILA. Nada más. En esto consiste su gigantesca revolución”.

El aguador de Sevilla, Diego de Velázquez

Escalando a ojo en el Dibujo arquitectónico

En la web http://dibujo.uib.es  se cuelga el material de apoyo a la docencia de la asignatura de Expresión Gráfica de la Universidad de las Islas Baleares, creada por el profesor doctor Antonio Fernández-Coca  y allí podemos encontrar este vídeo y algunos materiales de ayuda que os pueden servir a la hora de realizar vuestro Proyecto de Investigación sobre el Dibujo Arquitectónico en el Aula Urbana, que está enmarcado dentro del tema titulado "Análisis del Modelo Arquitectónico (Interiores y Exteriores) en el contexto urbano I", ya que es fundamental saber escalar convenientemente a ojo.

En este Proyecto de Investigación deberéis analizar, con medios y técnicas gráficas monócromas y recopilando datos y demás aspectos del proceso del dibujo a mano alzada, los siguientes aspectos:

• El proceso gráfico: génesis, análisis, desarrollo, síntesis, descripción.
• La Escala: La Perspectiva visual. Hitos urbanos. La situación.
• Análisis de la trama urbana: calles y plazas. Recorridos.
• La ciudad como grabado de la historia o texto de estudio. Elementos caracterizadores.

Espero que este video os sirva de ayuda, ya que expone de forma sencilla el concepto de la proporción utilizando como elemento de medida nuestro lápiz, tal como hemos visto en clase.





 



El dibujo hoy

Hace tiempo, encontré este artículo en internet sobre la defensa del dibujo como género artístico con entidad propia suficiente como para ser considerado de forma independiente con respecto a otras disciplinas, como la pintura, la escultura, etc.
Su autor es Ramón Almela, doctor en Artes Visuales, y el título del artículo es "El Dibujo en el arte actual y en la enseñanza"; la verdad es que su texto no tiene desperdicio y lo suscribo totalmente, así que transcribo textualmente la mayor parte de su contenido:

"En el año 2000 se mostraba en la galería Barbara Gladstone en Nueva York una colectiva de 111 dibujos sobre papel con pluralidad de técnicas y materiales. En 2003, el Museo de Arte Moderno de Nueva York concluía la más arriesgada exposición de arte reciente en 15 años: "Drawing Now". Esta muestra atendía la situación del dibujo que después de explorar las líneas más desenfrenadas del arte en el siglo XX, sobre todo después de los Setenta, retorna en los albores de este siglo XXI, a un territorio familiar. Y ese mismo año, el Museo Metropolitan de Nueva York daba una mirada a la creación del genio de Leonardo con 118 dibujos bajo la exposición "Leonardo Da Vinci, Dibujante Consumado". Se conservan en total unos 4,000 dibujos de Leonardo y esta exposición contribuyó, además de a la actualidad del dibujo, a examinar cronológicamente a uno de los artistas que hizo del dibujo la raíz de su creación en diversos campos del conocimiento. Aclara, también, algunos mitos sobre Leonardo. No fue el primero con el método del "sfumato", esa degradación de valor en el claroscuro de un tono. Hay varios dibujos de Andrea del Verrocchio con esa técnica y en cuyo taller Leonardo fue un aprendiz. La muestra profundizaba en el proceso creativo y el desarrollo de la sensibilidad de Leonardo Da Vinci. Los más sorprendentes dibujos resultan aquellos en donde todo ocurre a la vez: Animales, armamento, disecciones anatómicas, notas escritas, figuras humanas, diagramas geométricos. El dibujo en su máxima expresión.

Dibujo de Leonardo Da Vinci 

El dibujo en la historia aparece con un carácter propio inmerso en los restantes medios de expresión. El Renacimiento planteó el dibujo como forma artística propiamente dicha. Fue Leonardo quien señaló que la distinción entre "Artístico" y "Científico" en el dibujo era puramente accidental. La historia muestra una apreciación valorativa del dibujo oscilando entre las actitudes de ensalzarlo como trabajo de proceso, boceto, y como trabajo terminado. En la Florencia del siglo XVI se estimaban aquellos dibujos preliminares de los artistas del Renacimiento. En el comienzo del siglo XVIII se distinguían en Francia los dibujos muy elaborados y enmarcados de maestros como Watteau. Al final de ese siglo XVIII se alababan los trabajos que mostraban el trazo del genio en el desarrollo de la obra. Y de nuevo, obras terminadas de dibujo volvieron a ser apreciadas en el siglo XIX, sobre todo en Inglaterra.

Kevin Appel. "Light model: Southeast model" Acrílico y grafito sobre papel

 
El aprecio del dibujo como gesto, preparación y proceso surgía nuevamente cuando la materialidad del objeto de arte atravesaba un reajuste en la década de los Sesenta y Setenta. El dibujo se liberó de los confines de la página expandiéndose a las paredes de la habitación, y alcanzaba a revelar la acción del dibujante en performances. Además, continuó utilizándose el lápiz y el papel como medio convencional para transcribir ideas en las obras de arte conceptual. El dibujo prosiguió con los pos conceptualistas de los Ochenta como medio preferido para convertir acciones artísticas en objetos concretos. Pero en los Noventa la situación cambió. El dibujo se alejó del concepto de proceso y adquirió un valor predominante como obra completa y autónoma.
El dibujo no puede caracterizarse ahora con los viejos criterios de forma y soporte. Se ha emancipado de tal forma que pasa, de ser un verbo, el registro de su propio hacer, a ser un nombre, una imagen reconocible consciente de su propia historia y complejidad comprometida con el mundo a su alrededor

Julie Mehretu "s/t" tinta, lápiz color, collage sobre papel transparente

Esta situación moderna del Dibujo afecta de varias maneras al aprendizaje del artista. Hasta ahora ha sido desdeñado como expresión autónoma enfocado tan sólo al manejo preparativo de la pintura y el conocimiento de la forma. Era un auxilio en la formación del artista y utilizado en el diseño como medio de comunicación siendo arrinconado por el dominante uso de la computadora. Las manifestaciones del dibujo arquitectónico, la ilustración y el cómic eran rebajadas a expresiones indignas de llamarse arte. El concepto de ilustración y decoración adquirían un significado despectivo. Se desacreditó la disciplina académica que abarca el dominio de los valores formales del claroscuro, de la proporción, del conocimiento del dibujo anatómico, la figura humana, abandonándose las técnicas tradicionales privando al alumno, al desconocerlas, de una amplitud de recursos. Siguiendo con las tendencias dominantes en el mercado se educa al artista a elaborar fluida y despreocupadamente la imagen en pos de una transmisión de ideología meramente conceptual. En los modelos de conducta de la enseñanza del arte, el dibujo perdió ese carácter de hilo conductor del proceso de creación de la obra dominando un desinterés por la realización manual.

Toba Khedoori. "Rooms" óleo y cera sobre papel

Recuperando ahora el dibujo su valor de obra autónoma, es de esperar que se atienda a la instrucción del dibujo desdeñada anteriormente.  Creo como Jorge Chuey, de la UNAM, que el Dibujo "es el aliento vital de mi proceso mental que mueve mi ser..." y como Florida Rosas sostiene con una carga filosófico-poética "El dibujo es el aliento vital del ser humano, pues éste es el comienzo de todo y si no se tiene no se tiene nada".

David Thorpe "Out from the night, the day is beautiful and we are filled with joy" Papel collage

Se ha enseñado el dibujo erróneamente como la construcción de la línea sirviendo de base al trabajo de la construcción de la imagen pictórica. El dibujo está en la base de la representación pero no simplemente como un auxiliar artesanal lineal de contorno, sino como un proceso mental involucrando la percepción de la realidad y el método de consolidar sobre la superficie bidimensional o tridimensional las tensiones energéticas del entorno tanto en luz y color, formas y proporciones como en emociones y sentimientos. Ahora, además, se asiste a una revalorización del dibujo como producto final atendido como obra de arte digna de ser mostrada. Desde la década de los Noventa, los artistas vuelven al uso de los materiales tradicionales de dibujo inmersos en una representación figurativa, transfiriendo sobre papel o la pared ideas e historias, metáforas y alegorías de las preocupaciones cotidianas."

Takashi Murakami "Study ofr SMP K.2" Acuarela sobre cartulina  

Proporción y escala

Como estamos con el tema de la proporción (relación de medidas -magnitud, cantidad o grado- que hay entre las dimensiones de una forma comparadas entre sí -partes- y relación de las partes con el todo) y la escala (relación de medidas que hay en función del tamaño real de lo dibujado y de lo que se dibuja, es decir, del objeto con la representación de dicho objeto o con otros objetos) es interesante ver cómo trabaja jugando con estos conceptos el artista Chris LaPorte (http://chrislaporte.com/) a gran escala a partir de fotos de reducidas dimensiones, para lo cual utiliza una cuadrícula que le sirve para no romper la proporción del dibujo. Esa cuadrícula le permite ampliar secciones de la fotografía y poder precisar los detalles que no se perciben en la foto original (y que él incorpora según su criterio) de forma proporcionada y realista.

En concreto, para la obra "City Band", realizada a escala real, utilizó más de 100 lápices y 1200 h de trabajo.

En su web se puede seguir su trabajo y también en el siguiente vídeo, donde explica su forma de trabajar: